蔡赟: 是什么影响你将艺术实践从绘画转到了摄影领域？你怎么看待这两者之间的联系呢？他们是怎么影响你的创作的？

Pablo Lerma: 我从13岁起就学习绘画。那个时候我很着迷于“拟态” (Mimesis)的概念。记得当时我画过身边所有的有机物：水果、蔬菜、树等等。几年间，我的每个周末和暑假时间都是在素描和绘画中度过的。进入大学主修绘画后，我总觉得缺失了什么，对现实再复制的渴望不复存在，画油画成为了一个无止境的过程。我开始越来越多的画照片，而不是自然物。那一刻我知道摄影会是我未来的发展方向。如果我可以拍摄这些影像，又为什么要画照片呢？本科毕业前，我进入了摄影学院，开始接受专业培训。

对我而言，绘画和摄影之间最强有力的链接是对时间的敏感度，以及你如何利用时间这一工具去改变想要捕捉或阐释的现实。绘画上一层层的颜料创造了时间的不同层面，而摄影则利用快门改变了照片拍摄时那一瞬间现实中的时间。时间是绘画和摄影的纽带。

影响我创作的艺术借鉴领域很宽泛，如电影、建筑，甚至是园艺。我去看不少绘画和摄影的展览，越来越倾向再解读而不是表现性的作品。

YC: 你最近的项目是什么？背后有什么理念和想法？可以简单介绍一下吗？

PL: 近四年来我一直在创作的项目叫“消失之地”，探究人类从地球上消失后的自然原始景观。想象一下在不久的将来，人类从这个星球消失了，却又在几个世纪之后回访地球的情景。

这个项目聚焦转变和消失中的乌托邦自然景观。通过与19世纪探险家当时在同一地点拍摄的纪实照片进行组合对比，展现时间和空间的序列性，以及档案和人类记忆的关联性。通过视觉语言，项目揭示了现实中自然景观无法呈现的场景，激起观众的想象力。我现在在制作摄影书，这是项目的最后部分，2017年下半年会正式出版。摄影书试印版已经获得了2017年MACK editions“第一图书奖”的提名。

YC: 出版物是你艺术创作的延续吗？很多摄影师在探索跨领域的创作，如摄影和装置、摄影和出版物等。你是怎么看摄影领域之后的发展的？

PL: 的确，出版物和摄影书是一种延续，有时也是唯一能展示我作品的载体。记得在学校的时候，我对自己最后完成的独立出版物的自豪感远多于艺术作品本身。后来，我一直又在做小型独立杂志和出版物，但觉得这么做好像在某种程度上降低了自己原本作品的价值，直到我发现了摄影书俱乐部以及其全球庞大的社群。俱乐部致力于推广和展出用摄影作品组成的书籍。搬到纽约之后，我开始参加会议和沙龙活动，出版商和摄影书制作者会在活动上介绍他们的书。我开始用即时相机拍摄影像，并把书籍作为这类作品展示的最终载体。这就是我怎么开始自行出版摄影书的。第一本是《Stumps》(树桩)，之后是《Arga》，现在我在制作第三本出版物，是关于三明治岛屿的。

摄影的发展一直非常快。相机的概念以及摄影师的角色一直在变化。我们需要胶片相机吗？或是单反？我们为什么不用手机相机拍照呢？网络和社交媒体又为摄影新增了一个维度，让它变得前所未有的流行。我成长在胶片机和数码相机的交替时代，但我依旧相信胶片相机对于时间的感知以及捕捉是其他数码相机无法匹及的。但毋庸置疑，摄影未来的发展会在数字时代被重塑。

YC: 你和国际摄影艺术中心（ICP）之间是什么关系？你怎么看这个机构在纽约，以及在当下摄影领域的角色？

PL: 我现在是国际摄影艺术中心学校的老师。搬到纽约没多久之后，我就开始在那里担任助教，主要辅助暗室里的一些课程。两年助教的工作让我累积了很多经验，熟悉了学校的运作。后来我申请成为了学校的老师，现在我和摄影艺术中心的社区项目合作，在纽约布朗克斯区面向青少年教授暗室课程。

国际摄影艺术中心在纽约摄影社群发挥了吸铁石的作品。学校由科尔内尔·卡帕创立，在纪实摄影方面享有很高的声誉。基于此，学校用现代的方式，通过全新的项目（如新媒体项目、和巴德学院合作的艺术硕士项目、中心位于纽约包厘街全新的美术馆空间）来吸引更多的观众。