这次TOP20·2015中国当代摄影新锐展的评选，最深刻的印象就是参评者的阐释，写得都相当拗口和抽象。但对于我这个观看者来说，这似乎是一种不信任，作者认为用眼来观看作品根本不能抵达作品的意义，才会费劲周折写这么多“观看指南”，更进一步讲，这可能会是对图像存在之价值的消解。

       文字与图像有着复杂的关系。福柯认为，从15世纪至20世纪，主宰西方绘画的有两个原则，其一是形体再现和语言说明之间的分离，两者“既不能交叉也不能融合，或者文字受图像支配，或者图像受文字支配，两者关系的稳定非常罕见”，在福柯看来，更为关键的是，文与图的出现从来不可能是同时的，必须是先后的。第二项福柯认为的主宰西方绘画的原则是，把相似和再现等同起来，画和物是一一对应的关系，这个时候却并非是语言消失了，照福柯的话说，语句已经潜入绘画活动之中，语词在无声地工作。（1）

       我的类比可能不恰当，对于摄影来说，我们向来在第二个原则里工作，照片的意义靠相似性（甚至是原封不动的转移）展开运作，是对已经存在的系统的验证，它们都有词语作为保证，因而也就显得相当稳固了。但随着对摄影这一媒介认知的深入，相似性的法则开始动摇，不再成为唯一，摄影却也同时得到解放——摄影的创作可以像绘画那般自由，此种摄影也就开始在福柯所谓的第一个法则里运作。阐释的出现大概就是顺着这个脉络而来，其原因在于，此时摄影的再现不是对现实的转移，那它究竟想要说明什么，阐释即是对此的一个保障。

       但更多的问题也就来了，正如福柯提出的，既然文字和图像不能同时出现，到底谁是主宰，彼此的割裂又怎么处理？这都是相当棘手的问题。仅仅把作品意义的言说交给阐释，实在是低估了这个问题的复杂性。拗口的阐释是一种轻率的处理，甚至可以说是对图像的不信。

       在当代艺术领域，艺术家花了很多精力论辩摄影这一吊诡媒介的特质，有相当多的作品都在回应摄影是什么，图像本身倒成了可有可无的角色。2011年，美国艺术评论人杰瑞?索兹(Jerry Salts)在参观威尼斯双年展之后，曾发出感慨，因为那些晦涩的艺术作品都只是对艺术史的一种回应，大部分摄影艺术作品都只是关于照片的照片（photographs about photographs）。我想，杰瑞这番评论也可以看成是对图像的一种召唤。

       马格利特曾给福柯写过一封信，内中意思是，可见与不可见是共生的，一幅图画也可以通过可见显现不可见，但我们要相信自己的经验。这也正是梅洛-庞蒂所指出的，眼睛不仅仅是眼睛，看就已经在思想，（2）对此他更是进一步指出，这种所谓的内部的目光，将眼与心联系起来的感知，可能来自天赋，但更需要通过训练才能习得，要从观看中得以演进。

       但说真的，我们大多数人的眼睛已经荒废已久，“注视”以及通过视觉来感知越来越是一种难得的体验。数字摄影已经脱离了摄影的轨道，以秒来计算的图片流通和消费湮没了“注视”的行为。最近在美国当代艺术中心举办的“新摄影”展览，主题是“图像的海洋”，摄影师作品的样态有装置、视频、网站等，无所不在的图像是流动的，非线性的存在。

       与之相对，事实上，中国国内大部分年轻摄影师的创作还是以获得图像（凝固的）为根本目的，最终作品要挂在墙面上。这虽是一个相当“传统”的思路，却未必就要被淘汰。当绘画遭遇摄影，绘画面临着分离图解以及具象叙事的功能，艺术创作也随后出现了两个分支，一个是走向抽象，另一部分是留在更为纯粹的形象里（比如培根）。这也就是说，中国的年轻摄影师，即使在这个“传统”的范畴里，在裂变的过程中，依然可以有新的作为，只不过相当富有挑战。

       但遗憾的是，不少新一代摄影师并未对以上这些问题深思熟虑，却反而认为自己已经进入了新系统，宏大的阐释就是一种体现。更多时候，这种走入当代以及艺术的错觉很可能只是因为皈依了一套符号系统，这就包括了：阐释、限量、尺幅、装裱、策展、画廊、收藏等在内的这一整套话语，而这个系统却是为市场服务的，以商业为核心而建立起来的。

       这系统本身也没有问题，但如果遮蔽了艺术创作，那就有问题。也就是说，让自己的作品符合了这套符号体系就未必成了艺术，我们对作品艺术价值的判断，也不是以这个体系为参照。

       我这里肯定不是要消灭阐释，但那些老气横秋甚至是相当腐朽的阐释，显然称不上新锐，甚至会变成作品的累赘。我想要说的是，在阐释之外还有太多问题没有解决，而且真理其实并不复杂，我们应当相信自己的眼睛。

 

 

（1） （法）米歇尔福柯著，邢可超译，《这不是一只烟斗》，漓江出版社，2012年，第37-40页。

（2） 同上，第99页。